produce: June 2012 Archives

Case of CircularTone

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2年前に細々と始めたCircularTone Recordsの原盤等のシステム、考え方の簡単な説明をしておきます。ベストな発想かどうかは未知数ですが少なくとも既存のシステムとは一線を画すものだとは思います。アーティストの利益を如何に守るか?から全ての考えは始まりました。

「原盤・原盤権」
基本的な考えとしてアーティストとレコード会社が半分ずつ持ちます。50:50です。プロデューサーが関わった場合にはレコード会社の取り分からパーセントを支払います。お互いにその後譲渡等が無い限りは永久にその作品に関してはこの関係を保ちます。
計算方法としては通常の:「商品単価 - コスト×X%」的なものではなく、単純に「売上(利益)」を分配します。
ですのでコスト(制作費、プレス代、ジャケットや宣伝費やら含めた総コスト)がマイナスの間は誰も利益は生みません。通常で言うところのリクープラインとは考え方が変わっては来ますが、コストを精算出来た後に初めて利益分配となります。

「原盤制作費」
制作費・コストに関しては上記のことからアーティスト・レコード会社での折半となります。
実際の金銭は他人に出してもらう形も可能ですが、その場合は単純に両者(アーティスト、レコード会社)がその人に借金を負うこととなります。金銭を出したことによって原盤権を得られるわけではありません。もちろん共同出資で原盤権の一部を譲ると言うケースはあり得ると考えます。

「アーティスト印税」
単純な利益分配なのでアーティスト印税と言う考えは入っていません。実演権も上記原盤権に含まれている考えです。ですので所謂原盤権の考えとは異なって来るかと思います。

例)話しを単純化するため商品がCDだけ、販売価格2000円、総コスト100万円の場合。
仮に1000枚売れて、シンプルに考えると「2000×1000-流通コスト」が利益(損益)となります。全てをレコード店・通販店等での販売で手数料50%だったとして概ねトントン(利益も損益も無し)でしょうか。次の1000枚で利益100万円…1万枚売れれば1000万円という風になって行きます。それを折半します。
利益を上げるには直販・手売り・ネット配信を進めて行くのがシンプルな道の様です。

「アーティスト契約」
基本的にアーティストとレコード会社はその作品に対しての協力関係を持ち、次作品での移籍等はアーティストの意志を尊重します。その後の拘束は考えません。ただ上記原盤の考えから元が取れるまではレコード会社との契約存続如何に関わらずアーティストも借金を負い続けることになります。当然利益が出れば移籍後も分配は続けられます。


☆レコード会社側の現状の問題点
各アーティスト、作品毎に収支を追い続けねばならないため、作品数が増えてきた時に事務処理がそうとう大変になって来ます。またアーティスト側もその作品に対しずっと収支情報を追い続けていかなければなりませんしレコード会社はずっとオープンにしなければいけません。その情報提供も事務側の負担は大きそうです。
実際ネット販売の場合楽曲毎にも追っていかなければならないので、作品数が増えるとかなり煩雑な業務となります。

上記の様な大雑把な発想でスタートして2年が過ぎ、その間の時代の変化を目にしているとそろそろ次の段階へ発想の大転換を迫られている様に感じています。

以上おおまかにですが、CircularTone Recordsの基本的なシステム・考え方でした。
http://circulartone.com/

昨夜の投稿の追加文

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深夜にだらだらと書いた文章がFB、twitter上でもとても大きな反響を浴びていて正直びっくりしている。
本人としてはそんな大それた事を書いた意図も無く、日常的に感じていたことをごく簡単に述べてみただけだったのだが。タイトルに付けた『音楽家が音楽を諦める時』の言葉が無駄にインパクトを与えてしまったのだろうか。
ともかく、たくさんのコメントやメッセージをありがとうございます。興味深く読ませていただきました。その中には誤解されてるなぁと思うのもあったりするのだけど、それは一重に元の文章の言葉足らずが所以かと思います。
そんな訳で昨夜あまり丁寧に書けなかった部分・誤解を与えそうなところを多少なりとも追補できたらとまた長文を。

はじめに。昨夜書かれた「音楽を作る」こととは全般に録音物としての音楽制作の意味です。
音楽を作ることには作曲、演奏やライブやレコーディングやら色々な部分がありますが、その上で昨夜の文章は録音される音楽に限定した話しです。なので例えば「いい音楽を作るにはお金がかかる」=「いい録音物を作るにはお金がかかる」の様に読み直していただけると助かります。

”音楽を諦める”も同様に「いい録音物の制作を諦める?」と言うニュアンスで、音楽そのものや制作を放棄する、あるいは新しい音楽スタイルの模索や思考や指向を諦めるとかの意味では無いです。
はじめのところにも書いた様に僕自身は音楽をやめるつもりは毛頭なく、自分のバンド活動等含めこんな時代になったことを実は案外前向きにかつ興味深く捉えています。時代に対してポジティブであるからこそ「おやすみ音楽」の様なアプローチも続けていられるのかと思います。

ただ現実を鑑みるとプロとしてある部分を”諦めて”前に進むしか無い残念な状況ではある、と言う話しです。

音楽には色々な手法があります。PC一台だけで出来てしまうものから大人数揃い広い場所が無いとできない音楽まで。そしてその手法による音楽的優劣など当然ありません。
ところが制作の過程におけるコストには明らかな違いが出て来ます。PCだけの音楽はアパートの一室で低消費電力で粛々と制作できるのに対し大人数の音楽や大音量を発する音楽はそうも行きません。
後者は場所だけの問題では無く、それらを録音するには高度な技術やセンス多量の機材等も必要となります。プラグインとソフトシンセだけで作られる音楽の様に手軽に制作は出来ません。

例えば十分な予算を持てないロックバンドが居たとします。
どうするか?一番安上がりなのは、ドラムを打ち込みにし他の楽器は全てプラグインで音を作り、歌は押し入れで布団を被ってガナリ立てればいいのです。それをメンバーのアパートの一室でミックスして完成。
もしそれじゃさすがにショボイ!と感じたらそうやって録音したファイルを僕らの様なプロに委ねればいいのです。ローコストながらそこそこなクオリティで仕上がるでしょう。

このやり方をしても「音楽のいい悪い」に大して影響は無いでしょう。じゃぁ僕らはそうやって安価に作り続けて行けばいいのか?僕は否定的です。
もちろんそういう音楽の作り方そのものに何の非もありません。そういう作られ方の音楽が存在して行くことも決して否定はしません。ありです。
が、もし僕がそのバンドにプロデューサーとして関わるならば違う方法を探すでしょう。彼らが出す生の音、生の演奏を記録できる方法を。それは自分の為では無く必ずそれを経験できた彼らの為になるからです。自分達の出す・出せる音を知れるからです。演奏者はいい音を出すことを知ってはじめていい演奏に向かえるのです。

ところがこの方法はそれなりにコストが掛かって来ます。時間の掛け方もダイレクトにコストに影響します。
演奏にかかる時間は元より、ある程度時間を掛けなければ「いい音」(納得できる音)は見つけられません。そのバンド、その楽曲に見合うドラムの音、ギターの音、ボーカルの声色等々。そうして制作コストは膨らんで行きますが、そう出来なければ到達できない音・演奏(つまり音楽)がそこにはあります。
昨夜書いた「コストは音の作り方・クオリティに正比例する」の真意はここにあります。

僕個人はとてもデジタル好きな人間で、上記の様な人間臭いアナログな方法論はさっさと捨てて一人ディスプレィに向かい粛々と音楽を作りたい欲求をいつも抱えています。
でも音楽制作人(プロデューサー)としての自分の仕事は上記の人間クサイ面倒な道を歩まなければなりません。そうしなければ自分にもそのアーティストにとっても”いい音楽”には出会えないからです。
が、そういう音楽の作り方をする為の最低限の土壌がこの国にはもうあまり残っていないこと。その事によって日本の音楽の質もビジネスとしてもガラパゴス化し遅れを取ってしまっていること等を憂えたのが昨夜の文章の真意です。